Investigación: Presentación y planteo.

Los procesos de grabado tradicionales han evolucionado debido a la toma de conciencia de los grabadores docentes acerca de la toxicidad. Esta necesidad de asumir el cuidado de la salud propia, del alumnado y del medio ambiente, han confluido para potenciar simultáneamente la capacidad expresiva del grabado. En este intento de hallar salubridad en los procedimientos y renovarlos, los recursos técnicos se amplían generando cambios formales y conceptuales y nuevas vías de expresión.

Promovido especialmente por el artista e investigador de origen australiano Keith Howard³, impulsado por su experiencia personal a investigar técnicas alternativas de grabado menos tóxico. El grabado no tóxico es un término otorgado en un inicio por las autoridades de medio ambiente de EE.UU. (A P Non Toxic)⁴. Son destacables las investigaciones sobre materiales y recursos realizadas por Henrik Boegth, Freidhard Keikeben y Jan Petterson ya que sentaron las bases de una nueva visión de un arte comprometido con la salud.

Aunque siguen vigentes muchos hallazgos técnicos y estéticos realizados por los primeros investigadores, los nuevos soportes temporales y receptores de la imagen múltiple, abre la oportunidad de profundizar la investigación en distintas direcciones. La expresión “investigación artística”, evidencia el vínculo entre teoría y práctica, y también, en un sentido metodológico, la diferencia de la investigación académica predominante.⁵ El concepto de metodología responde a la pregunta de cómo enseñar, pero también condiciona de manera decisiva el ‘qué’ y el ‘para qué’ enseñar, porque la metodología es el vehículo de los contenidos y la manera de conseguir los objetivos (Coll et al.,2003; Bernal,2010). De este modo al incorporar nuevos procedimientos técnicos surgieron soluciones conceptuales y procedimentales que promovieron a una reflexión. Estos, se trasladaron al trabajo docente e indefectiblemente a la producción en el aula, utilizándolo como dispositivo metodológico (Irwin, 2013). Como consecuencia surgieron nuevos modos de recoger información, analizar ideas, valorar la dinámica entre los participantes y crear nuevas formas de conocimiento.

Docencia: Bloque de acciones y resignificación de los espacios de formación al incluir el empleo de técnicas no tóxicas.

La impresión por sublimación se ha considerado en una serie de acciones por su baja toxicidad y bajo costo. Usada de manera artística y exploratoria, la técnica demostró visiblemente la intersección discursiva entre arte, diseño, información, ciencia y tecnología. En este contexto, la sublimación se alinea con las tendencias gráficas actuales e incorpora los materiales menos tóxicos para promover el avance tecnológico y promover la invención. Si hay algo que equipara el grabado con sus orígenes es que los artistas se apropian de las habilidades de cada época y las trasladan al mundo del arte. Martínez Moro (1998) explica que lo anterior es una cualidad esencial que ha sobrevivido a la historia del arte impreso. Se establece así una conexión única con la técnica, entre dos polos, uno que representa la norma y el otro que representa el potencial de innovación.

El proceso creativo del grabador se desarrolla así en la tensión entre su capacidad de transformar la materia y su capacidad intelectual para resolver nuevos problemas. Las técnicas son el proceso de ejecutar el conocimiento y la toma de decisiones para desarrollar ideas específicas. A veces lo más interesante es documentar este proceso. En otras palabras, es una valoración de la obra gráfica en todos los estados donde la técnica y las ideas se constituyen recíproca y simultáneamente.

De 2018 a 2019, inclusive, se realizaron talleres de manera común en diferentes regiones de las ciudades de Córdoba y Sierras Chicas. La duración fue de un día y los participantes no estaban relacionados con la técnica, excepto en casos excepcionales. En cada taller, se invitó a un artista para compartir con otros participantes de diferentes edades y profesiones. Al mismo tiempo, se interactuó con las redes sociales Instagram y Facebook. Esto facilitó crear un nuevo espacio entre usuarios a distancia promoviendo la construcción, difusión colectiva y colaborativa del conocimiento. Al respecto Martínez Moro (2017) sostiene que el arte no puede entenderse sin su potencial educativo porque es un hecho de comunicación. La obra y la reacción del público establecen una forma de interacción, ya sea convergente o divergente, centrada en la forma de interpretación de diversas realidades del mundo físico, mental y social.

La experimentación con la técnica, en cada taller fue diversa: fotográfica y pictórica sobre tela y papel, pictórica expresiva, collage, dibujo, collage digital, pictórica acuarela. Pictórica y fotográfica sobre metal y papel, pictórica y fotográfica con texturas en diversos soportes y sellos, esténcil, pictórico. Esto sirvió para ajustar las variables según las necesidades de la imagen, y crear una clasificación para cada método.

Los amplios abanicos de posibilidades pudieron ser aplicables al arte como al diseño gráfico e indumentaria. Las estrategias de comunicación e intercambio se basaron en procesos simultáneos y diferidos en el espacio y el tiempo, como encuentros presenciales, foros en el espacio virtual, transmisiones en vivo y chats. Un espacio de aprendizaje que fomentó lazos más fuertes entre los miembros dentro o fuera de la facultad. Los formatos, aula taller⁶ y laboratorio, potenciaron el trabajo reflexivo (utiliza lo ocurrido, lo que puede ocurrir); recursivo(su práctica discurre espiraladamente en torno a la evolución en ideas) y la autorreflexión (cuestionamiento propio, suposiciones en las creencias). La experimentación, la investigación y la concientización nos han permitido difundir y transmitir la práctica artística a unas nuevas generaciones a través de las redes sociales y lugares de exhibición. Los estudiantes, como futuros profesionales de las artes, podrán difundir tecnologías menos tóxicas como alternativas viables e innovadoras en entornos artísticos y educativos.

Derivaciones Gráficas: El desarrollo procesual, creativo, autobiográfico. La estampación por Sublimación a través del potencial expansivo del grabado y los medios de reproducción gráfica desde formatos y soportes.

A partir de fotos emocionales seleccionadas de grabados producidos en el año 2008, se inicia un proceso de producción y experimentación. Al mirar las fotos, el recuerdo está presente y se revela a partir de los fragmentos. Las imágenes se intervinieron a través del programa Photoshop, para ser impresas y estampadas con la técnica de sublimación, luego se confeccionaron almohadones (figura 1).

Si bien todos los almohadones, conforman la obra, aquel que representa al corazón, refiere al amor, al abrazo, a la confianza. Este recuerdo en forma de símbolo, ligado a la historia personal, lleva a la memoria como recurso para reconstruir, acomodar, recrear y trasladarlo al soporte artístico donde la reiteración se utiliza como una manera de reafirmación y transformación. El mismo relato realizado varias veces, a través de los años varía inevitablemente, pero guarda una cierta fidelidad al relato original. La memoria lo rehace, retiene ciertos factores y elimina otros. Así, cada vez que se trae al presente este símbolo guardado, éste será transformado por la imaginación y siempre se guardará un recuerdo modificado, creyendo que es el verdadero. Desde la mirada de Emanuele Coccia, transformar la imagen significa aprehender el mundo a través de una acción de internalización y externalización, Coccia explica que “Cuando una forma entra en el espesor de la materia de su receptor, esta cambia y lo cambia, se transforma y transforma: en este caso se trata de transformación” (2011, p. 42).

El registro “Acomodando las memorias”⁷, en formato de video, fue publicado en las redes sociales Facebook e Instagram. Se devela una capa transformándola para ofrecer al espectador la posibilidad de un acercamiento a la obra en un instante íntimo y simbolizar así otros sentidos. La estampación por sublimación originó una relación entre la tela y la obra gráfica. Lo textil se convirtió en obra gráfica, es decir, el tinte penetra en la tela (Figura 2) utilizada como soporte(almohadones), luego ese fragmento que significa, se resignifica al reunirse con otros fragmentos por medio de un video. Los recuerdos convertidos en almohadones, en el video, culminan con el abrazo representado por la imagen del corazón. A los ojos de Coccia (2011), esas formas del aparecer son las imágenes de sí mismos. Los objetos por su parte serán fundamentales en ese devenir sensible de los sujetos porque son los que ensamblan la imagen en esa relación de contigüidad con el sujeto y como nueva apertura⁸. Los almohadones pasan a ser junto conmigo una acción performática en un determinado espacio.

La siguiente, es una obra de Autorretrato (Figura 3) compuesta por dos fotografías sublimadas sobre tela de 70 x 50 cm cada una. Ambas imágenes son fragmentos obtenidos después de haber realizado las acciones anteriores. Estas imágenes se expanden a múltiples oportunidades para reflexionar, analizar y explorar nuevos significados relacionados con la impresión y el tejido. La a/r/tografía entiende lo anterior como el exceso de ese espacio que creamos para examinar nuestros miedos y deseos y en el que se producen las transformaciones. En este sentido, se puede decir que el exceso está al interpretar y traducir la obra a través del contexto, el texto y la forma de la obra. “Lo que puede descentrar la mirada del objeto, de su profunda atracción, es la consideración de que aquello que es mirado, actúa como espejo de quien mira”. (HERNÁNDEZ, 2015, p. 79).

Como una deriva, se incorpora el bordado de unos corazones en hilo rojo. Lo realizo a partir de reflexionar y de alguna manera contestar sobre lo que el hilo, la aguja y la fotografía sugieren. Tanto el método de trabajo del bordado como el de la fotografía tienen un carácter interdisciplinario. Pasan por el arte, el comercio, la identidad, la historia cotidiana y las emociones. Aquí es donde nace un nuevo nivel de memoria, una necesidad entre lo gestual y lo tecnológico. Gracias a la flexibilidad y suavidad del hilo y su composición, se puede percibir estar frente a algo sagrado. El tacto es una forma muy importante de intimidad. La lana es protectora y cálida, comparable a la suavidad, la intimidad y la sensación de conexión. Desde este punto de vista, es un ritual que permite concentrar y conectar con un estado más profundo. Esta práctica está ligada a lo que la fotografía trasciende y envuelve; historia, técnica, luz, haciendo visible esta confluencia que, combinada con la práctica del bordado, trasciende su relación con la memoria personal. De este modo la herencia del bordado, “costumbre doméstica”, se convierte en un lenguaje del arte contemporáneo (Figura 4).

En esta serie de obras, realizadas en el 2020, se planteó una línea de trabajo donde la reflexión recorre un proceso. El propósito fue en sí una actividad relacional abriendo camino hacia una estética relacional, pedagogía relacional e investigación relacional, y cumplió con las condiciones de una investigación autorreferencial⁹. Estos entrelazamientos, que se produjeron por la contigüidad¹⁰, combinan producciones y texto, práctica artística y experimentación en el taller. También están presentes las interpretaciones de varios autores, cada uno a su vez incitó a analizar los conceptos que subyacen en la poética: la memoria, junto a lo real imaginado que hace énfasis en el recuerdo. En esta experimentación abierta, conectable en todas sus dimensiones, los hallazgoshacen visibles las aperturas para nuevos comienzos, cambios y significados.

La práctica y la escritura se cruzan con muchas técnicas y campos: arte textil, estampación por sublimación, arte relacional, gráfica tradicional y digital y fotografía, entre otros. Mostrar huellas y recordar experiencias sirvió para que estas vivencias cotidianas del presente se trasladen a otro tiempo y espacio. Es aquí donde se encuentran capas de temporalidades superpuestas, en el intersticio¹¹ donde se produce la intersección, es decir, el lugar de encuentro de los espacios mediales y los sujetos que los producen. (Coccía, 2011). De este modo en el desarrollo se hace visible el proceso de producción, que contiene una importante carga interdisciplinar¹², pero que, al mismo tiempo, forma parte de un proceso de creación transdisciplinar¹³. Este enfoque y sus condiciones de producción para el trabajo artístico, conducen a una pérdida de especificidad y a la disolución de fronteras, tal como sucede en la gráfica¹⁴ actual. “El grabado es ahora un territorio en el que la integración de todas las artes permite cruzar sus fronteras con fluidez”. (Bernal Pérez. 2016.p71)

Esto significa que el interés por los procesos de lectura en diferentes niveles y las conexiones experimentales con otras áreas/disciplinas desdibujan los límites entre el grabado tradicional y los límites de la obra interdisciplinaria. Esto trae consigo cambios en el concepto de artista, la relación entre el público y el artista, el espacio de acción, el proceso creativo, la creación de un nuevo lenguaje estético y la temporalidad de la obra.

A modo de cierre

El grabado representa una nueva búsqueda y un gran potencial en la práctica de la gráfica contemporánea. El cruce discursivo que se da entre arte, información, ciencia y tecnología, indaga constantemente nuevas herramientas y permite otra forma de trabajo y de exploración de sentido. Consideramos importante la formación en nuevos conocimientos de uso de materiales y herramientas actuales de la gráfica porque permite la experimentación. Asimismo, fomenta nuevas miradas en la formación cultural, de apertura hacia la interdisciplinariedad y su capacidad para la digresión ideológica y cultural. Al desarrollar una doble actividad investigadora, como son la reflexión teórica y la propiamente artística, permite un proceso de alternancia en el tiempo. Investigar en acción en el taller genera una interconectividad con la etapa anterior e influye en los procesos productivos personales, a partir de la reflexión teórica.